UMMA en SCI-Arc

Martes 1 de abril, 2014 por admin
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 UMMA. SCI-Arc Gallery. Los Angeles, EE.UU. 2014. Fotografía por Joshua White

El pasado viernes 14 de Marzo abrió sus puertas la exhibición UMMA en la galería de SCI-Arc (ver PLOT 09) en Los Ángeles. La muestra consiste en una mesa que sirve como plataforma para condensar el trabajo de FPmod, oficina fundada por la arquitecta argentina Florencia Pita. Entrevistamos a su autora, quien reside en la ciudad californiana desde hace más de de un década, para conocer más sobre este proyecto, su trayectoria profesional y académica, su vínculo con Argentina y su práctica en FPmod y Pita & Bloom.

Pedro Ezequiel Videla: ¿Cómo surgió la idea de UMMA?

Florencia Pita: La exhibición que está ahora en SCI-Arc fue curada originalmente por Joseph Rosa, el director del University of Michigan Museum of Art, por eso la mesa se llama UMMA. En enero del año pasado fue expuesta allí donde además se realizó un catalogo. La idea de la mesa surgió porque él comisionó varios objetos pre-existentes como maquetas y joyería. Joseph Rosa quería hacer un nuevo objeto para la exhibición y además quería crear una serie de pedestales para exhibir el resto. UMMA no es un objeto sino una instalación, una colección, una plataforma que permite mostrar proyectos que yo había diseñado y fabricado hasta ese momento. Entonces surge la idea de la mesa como un gran pedestal, entre objeto y pedestal. Sobre la mesa hay unas campanas de vidrio y, dentro de esas, las maquetas y objetos que varían de escala: hay cucharas, floreros, joyas, anillos… La idea es que la mesa se une con los otros diseños. Se vuelve todo como un gran diseño entre la mesa y los objetos.

PV: A partir de las fotos, UMMA y Cronopios

FP: ¡Te resultan familiares!

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CronopiosFmod. Art Institute of Chicago. 2010.

PV: Sí, totalmente! Me remiten al trabajo de los posters de Milton Glaser o algunos otros artistas de la psicodelia de los sesentas y setentas, a las instalaciones de Mike Kelly ¿Es una relación consciente o solo sucedió?

FP: En todos los otros proyectos de mi oficina, desde el primero, está presente el uso de color en abundancia. Aunque no tenga una relación directa existe una conexión. Está muy relacionado a algo que, para mí, pasó más en los años 70’s que ahora que es la conexión entre objetos populares, cultura popular y arquitectura. En ese momento, eso no era considerado arte sino posters o graffiti. Había una conexión mayor entre los objetos cotidianos y el high art o la arquitectura. En la actualidad,el color por poco no existe o casi no se usa en arquitectura. Sin embargo, todos los objetos de la vida cotidiana tienen muchísimo color, los juguetes de los chicos, un peine, un cepillo de dientes (risas). Los objetos diarios son mucho más avanzados en cuanto a formas y diseño.En ese sentido supongo que se conecta con Milton Glaser. Los posters, calendarios o logos son como mucho más banales y entonces el color es más gráfico, más estridente. Trata de evidenciar un nuevo tipo de materialidad, una nueva materialidad. Me interesa evidenciar una materialidad otra. La mesa, por ejemplo, está hecha de madera pero no se nota, tiene tantas capas de pintura que parece casi de plástico. Las superficies centrales son cerámicas y las gráficas están impresas en cerámicas tradicionales. Fui durante seis años a la Universidad de Rosario por lo que mi background está más vinculado a la verdad del material: hormigón, madera y vidrio. Pero lo que me interesa ahora es que los materiales sean mucho más sintéticos, más artificiales. Si es madera, pintarla. Si es plástico, que tenga gráfica. Todos los objetos de UMMA tienen el uso de la gráfica para crear un material sintético, un material que no se puede reconocer. Las cerámicas son cuadradas, no muy especiales, son las mismas que se usan para poner en un baño o en un piso. Me interesaba ponerles gráficas para llegar a esa mezcla de un material tradicional con algo más contemporáneo. Estas cerámicas se imprimen directamente en 3D con una máquina, una impresora gigante.

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PVBueno, en relación a los objetos cotidianos, el color y las cualidades de diseño que tienen, algo que llama la atención de UMMA es como, en este caso una mesa que es un objeto cotidiano, empieza a tener un grado de complejidad mucho mayor del que tiene usualmente. ¿A que se le atribuye esta complejización? ¿Cuál es el camino que recorre?

FPLo que me interesa de UMMA es que es una mesa. Muchas veces me preguntan si mi trabajo es arte o arquitectura. Creo que es arquitectura en distintas escalas, entonces por más que sea una mesa también es un estudio de geometría sobre fachada. Todas las cerámicas son parte de un estudio que estamos haciendo en la oficina sobre el uso de cerámicas impresas para panelizaciones exteriores. Es como una mesa agrandada, una mesa pretenciosa (risas). Las patas son enormes e, incluso, hay unas patas que son finitas abajo y gordas arriba entonces desafían la gravedad. Es un estudio de geometría, no es un prototipo de una mesa. No es diseño industrial, si fuese diseño industrial tendría que tener muchos cambios, sobre todo el peso. La idea es banal porque es una mesa pero tiene todos esos aspectos, estudio de geometría, nuevos materiales, las gráficas, el modo de encastre.

PVTambién sugiere interpretaciones distintas porque si bien es una mesa uno puede ver una ciudad o una geometría parecida a un coral o que remite a la naturaleza…

FPSiempre relaciono las instalaciones con un estudio en distintas escalas. La escala se puede transferir. Por ejemplo, Urbane field, un proyecto que hicimos en Los Angeles para Central Station, es un landscape que tiene la misma forma que la mesa pero es casi la escala de media manzana, como si la mesa creciera hasta ser media manzana de una ciudad. Al ser un estudio de geometría, ésta puede moverse en distintas escalas y por lo tanto transferir sistemas geométricos a la escala de un anillo, de un objeto o a la escala urbana. Incluso en Cronopios, que es un landscape inspirado en los Cronopios de Julio Cortázar, los objetos abstractos no tienen ninguna figuración, son formas delineadas dentro de curvas muy geométricas. Esa información se transfiere en distintas escalas.

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Urbane fieldFmod. Los Angeles Central Station. 2010.

PV: ¿Vamos a tener posibilidad de ver UMMA en Argentina en algún momento?

FPTendría que ser una versión más liviana porque transportarla de Michigan a Los Angeles costó muchísimo. Sería interesante ver hacer una versión local, argentina, de UMMA. Si ves los cerámicos, se inspiran en los típicos azulejos de las casas chorizo de Buenos Aires, esos teselados romboidales que hacen efecto 3D. Me encantaría hacer un UMMA con cerámicas del siglo XIX. Hace poco estuve en Argentina en una iglesia donde los motivos de las cerámicas van cambiando; típico de principios del siglo XX y finales del XIX. Quizás una versión local sería muy interesante de fabricar.

PV: Te referís a los teselados esos que dependiendo de donde uno se para juega con la perspectiva.

FPClaro, es como falsa perspectiva. Están en todos los edificios de aquella época, es una típica baldosa de Buenos Aires. Mujica Láinez escribió un cuento entero sobre esa baldosa llamado “El hombrecito del azulejo” (Misteriosa Buenos Aires, 1950). Entonces UMMA tiene cierta conexión con Argentina, conexiones muy específicas. Aunque en la facultad de Rosario no creo que me acepten como ex-alumna (risas).

Me interesa la versatilidad del fileteado, algo puede funcionar en múltiples escalas. Un dibujo muy popular que funciona en una fachada, una guitarra, un edificio o un taxi. O las típicas baldosas teseladas de finales del siglo XIX, objetos mucho más autóctonos como influencia.

PV: Bueno, el fileteado también se relaciona en lo orgánico, lo curvo, lo sensual.

FP: Sí, pensar que los colectivos en Buenos Aires todos tenían eso ¡Que fantástico! Ahora hay una estandarización, toda la gráfica en los sesentas y setenta era mucho más interesante que la actual que es genérica, es la misma gráfica en París, en Nueva York y en Los Angeles.

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PV: Se fue uniformando culturalmente.

FP: Claro, sería interesante que la ciudad de Buenos Aires volviera usar, no el fileteado como algo nostálgico, sino la versión contemporánea del antiguo uso de esa gráfica. Para mi es el graffiti argentino sin spray.

PV: Con respecto a tu práctica:trabajaste con Peter Eisenman, con Greg Lynn y con Asymptote. ¿Estas experiencias influyeron tu práctica de alguna manera?

FPCuando terminé la facultad en Rosario me mudé a Nueva York y trabajé un año en la oficina de Peter Eisenman. Fue una gran influencia en cuanto a la metodología pero mi mayor influencia fueron los cinco años que pasé en la oficina de Greg Lynn. Fueron como una continuación de mi educación. Mi trabajo está muy conectado a su proyecto de oficina en cuanto al uso de ciertos softwares de diseño, al uso de nuevos tipos de fabricaciones y al uso del color. Esas cosas están muy presentes en su trabajo.

Otra influencia tiene que ver respecto a la autonomía de la forma, lo que hablábamos antes respecto a las escalas. Durante mi educación en Argentina, por ejemplo, los elementos más relevantes al momento de diseñar: el sitio y el programa. Ellos definen la forma, pero cuando la forma toma autonomía, luego sitio y programa tienen más flexibilidad para adaptarse y mutar. Eso obviamente viene de la línea de Peter Eisenman y Greg Lynn en cuanto a encontrar la autonomía de la arquitectura, de la forma.

PV: Y abre el juego a la parte lúdica de la arquitectura, ¿no?

FP: Claro, aparte las ideas pueden ponerse en diálogo o en oposición, en discusión. Por eso quería mencionar la influencia de ciertas tradiciones argentinas. Desde hace 16 años que vivo en Estados Unidos y me interesaba hacer presente la cultura que uno trae, que se mantiene. A veces de forma indirecta y menos académica, mas relacionada a la memoria y los recuerdos.

Por eso citaba Cronopios, esa relación con la literatura, la forma o incluso la materialidad. O los cerámicos que siempre me fascinaron y en este momento estoy haciendo una investigación sobre el tema. Por ejemplo, el trabajo de Greg Lynn es mucho más revolucionario en cierto modo porque busca materiales que son mucho más sintéticos e innovadores. A mi interesa mezclar ciertas cosas muy innovadoras como hacer impresiones digitales en algo tradicional. Estamos investigando el proceso de hacer impresiones 3D en cerámica. Entonces como mezclar ciertos materiales más tradicionales con otros que son más contemporáneos.

Por eso comenzamos a trabajar en colaboración con Jackilin Bloom, nuestra oficina se denomina Pita & Bloom. Hemos trabajado juntas en varios proyectos, ahora terminamos el proyecto para MoMA PS1 YAP y varios concursos más.

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PV: Dentro de esta experiencia con Pita & Bloom nos preguntábamos, en un contexto donde cada vez hay más arquitectas mujeres pujantes a nivel global ¿Qué papel juega “lo femenino” en tu trabajo?

FP: Tuvimos varias entrevistas respecto a ese tema y mi respuesta es que hace varios años era más difícil hacerse lugar y quizás había un poco menos de libertad en cuanto a presentar formas que parecieran más exuberantes. No creo que ahora sea una cuestión sobre femenidad. Para mí, no hay un rol de la arquitecta o el arquitecto, sino como en ingles architect. No hay una versión masculina o femenina de la profesión.

Lo que hay es mucha libertad de expresión, entonces si los colores son exuberantes o hay ciertos colores que parecen más femeninos no es por una intención sino por cierta naturaleza. No creo en esa diferenciación. Por ejemplo, a veces organizan simposios solo de mujeres y no creo que se deba hacer esa separación, arquitectura no es un deporte, como en el tenis donde la división de genero se refiere a una diferencia de resistencia física, los arquitectos no dibujan más rápido que las arquitectas. Pienso que no les beneficia a las arquitectas el hecho de que se auto-separen para defender el género. El único modo de defender el género es simplemente mantenernos en igualdad.

La profesión es un tanto extraña porque no hay muchas profesiones donde marido y mujer trabajen juntos como oficina. Ese es un típico modelo en nuestra profesión que no comprendo, casarse no significa que uno también tenga que tener el mismo gusto de arquitectura, es una cuestión de base. Es como una situación cultural, se conocen en la facultad, continúa y se mantiene la sociedad en arquitectura.Me parece fantástico si funcionara pero me parece que ese es un modelo anterior. En mi experiencia docente, mis alumnos se dividen casi en partes iguales hombres y mujeres, pero luego en el campo profesional hay menos mujeres, ¿adónde van? Hacer revistas de arquitectas mujeres o simposios sobre el feminismo en la arquitectura genera más diferencias. Creo que en su momento fue importante, porque los porcentajes eran mucho menores, había mucho menos mujeres en todos los otros rubros pero eso ha cambiado. Creo que en el siglo XXI hay que promover muchísima más independencia. Soy post-feminista.

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