El estudio de arquitectura langarita-navarro, fundado por los arquitectos españoles Maria Langarita y Victor Navarro, comparte esta instalación realizada para la marca Red Bull en el Centro de Creación Contemporánea Matadero en Madrid.

Red Bull Music Academy es un workshop internacional que se realiza cada año en una ciudad diferente y que reúne a algunos de los músicos más prometedores del planeta en un espacio que fomenta el intercambio de ideas y estilos musicales. El fructífero encuentro, tiene lugar en un complejo equipado con todo lo que un amante de la música puede imaginar.

Para esta ocasión los arquitectos se vieron en la necesidad de responder al encargo de manera rápida y económica, ya que solo contaron con dos meses de realización y 200 dolares por metro cuadrado.  El resultado es una intervención compuesta por diferentes salas que responden cada una de ellas a un programa especifico permitiendo mantener la aislación acústica sin perder el intercambio creativo entre los participantes.

Después de las fotografías podrán encontrar la información oficial enviada desde el estudio.

Para los interesados en ampliar información, el estudio langarita-navarro fue publicado en la sección Nuevas Practicas en Madrid en PLOT#4

Arquitectos: María Langarita y Víctor Navarro

Colaboradores: Juan Palencia, Gonzalo Gutierrez, Tonia Papanikolau, Paula García-Masedo

Paisajismo: Jerónimo Hagerman

Estructuras: Mecanismo S.L.

Acústica: Acousthink

Estructuras ligeras: Arquiges, Cuatro cincuenta

Instalaciones: Úrculo Ingenieros

Aparejador: Javier Reñones

Fecha finalización: 2011

Memoria Oficial

En muchos sentidos este es un proyecto que comparte la lógica de una matrioska. No solo en el sentido físico más literal, en el que uno queda incorporado en otro, sino también en un sentido temporal, en el que uno se da dentro de otro. Las condiciones de partida  configuraban un escenario propicio para esta condición:

Un proyecto de emergencia.  La Red Bull Music Academy Madrid 2011:

La Red Bull Music Academy (RBMA) es un evento musical anual y nómada. Desde hace 14, cada año una ciudad del mundo acoge a los 60 participantes internacionales seleccionados y los rodea de músicos, productores y dj’s para experimentar e intercambiar conocimientos en torno a la música. Debido al terremoto y al posterior desastre de Fukushima, la que debía haber sido la RBMA  de Tokyo 2011 tuvo que cambiar de sede y buscar una nueva ubicación con menos de 5 meses para su desarrollo. La ciudad de Madrid tomó el relevo y aprovechó el espacio de creación de Matadero Madrid, ubicado en un antiguo conjunto industrial de principios del S. XX,  como nueva sede del evento.

Un proyecto a medio plazo, La Nave de la Música en Matadero Madrid

Con la RBMA se inicia la programación de la Nave de la Música dedicada específicamente a la creación e investigación sonora. A partir de la instalación creada, y dado su carácter experimental, lo construido se plantea como una estructura temporal basada en criterios de adaptabilidad y reversibilidad que faciliten reconfiguraciones totales o parciales del espacio en el tiempo.

Bajo estas premisas, el encargo pasaba por crear, en condiciones de urgencia, una infraestructura que fuese capaz, además de responder a necesidades técnicas y acústicas precisas, acelerar, favorecer y enriquecer una serie de relaciones artísticas muy intensas que se iban a dar entre los músicos participantes  y a su vez añadir una envolvente o un escenario donde todo esto iba a ser registrado y archivado.

La propuesta se ha desarrollado bajo 5 criterios de acción:

1. Plazos y económica. El diseño atendía de forma específica a unos plazos y presupuesto muy ajustados. La obra se ha construido en menos de dos meses, a partir de soluciones de construcción ligera,  buscando el equilibrio entre estandarización y adaptabilidad.

2. Respeto a la nave. La nave 15 de Matadero es un espacio diáfano de unos 4,700 m2, abierto al exterior, de estructura metálica y fachada de ladrillo. Como todo el recinto de Matadero Madrid, la nave está protegida. La propuesta toma como criterio no actuar sobre la nave, dejándola tal y como estaba previamente a la intervención.

3. Condiciones de programa. La organización del programa  determinaba una configuración específica agrupada en cuatro partes: zona de oficinas, estudios para músicos, estudio de grabación y una zona de conferencias, radio y lounge.  Se han buscando sistemas constructivos y espaciales que permitieran la reconfiguración de los espacios  para programas futuros.

4. Acústica. Los condicionantes acústicos han determinado tanto las geometrías, como la elección de materiales y soluciones constructivas. Cada una de las áreas, en función de su uso,  ha adquirido unas lógicas que permiten resolver las necesidades acústicas de forma específica. Soluciones heterogéneas como son los muros masivos en los estudios de grabación, las superficies absorbentes de las cúpulas textiles en la sala de conferencia o la independencia estructural y geometría no paralela de los pabellones.

5.Temporalidad.  Debido al carácter temporal de la obra y para no condicionar futuras intervenciones en la nave, el proyecto se ha pensado para ser desmantelado sin dejar huella. Incluso las actuaciones más “pesadas”, se han pensado para ser reversibles y que  permitieran un fácil reciclaje en el futuro.  Es el caso de la solución de los sacos terreros  para los muros de las salas de grabación o la  plantación de las especies en  macetas para su futuro transplante a otros espacios de Matadero o de la ciudad.

Como resultado el proyecto se despliega en el interior de la nave como una estructura urbana disgregada en la que a través de la relación variable entre proximidad e independencia, preexistencia y actuación sea capaz de ofrecer escenarios imprevistos para la comunidad que lo habite.

Yi Architects, el estudio fundado por el arquitecto coreano, Eun Young Yi, comparte su obra realizada en Stuttgart, Alemania.

El edificio, una biblioteca, surge tras haber ganado en 1999 un concurso que recibió alrededor de 235 propuestas, finalmente fue inaugurado en 2011.

El cubo monolitico realizado en hormigón y ladrillo de vidrio alberga el programa de la biblioteca donde las salas principales se conectan a través de una serie de escaleras que están dispuestas para promover una circulación en espiral alrededor de los libros.

Continuando con el lenguaje y el adorno de la fachada, el “corazón” de la biblioteca, espacio de entrada, cuenta con una serie de pequeñas ventanas interiores que envuelven el espacio en sus cuatro paredes y el techo del volumen.

El cubo se encuentra altamente influenciado por la estructura y  la organización del Panteón romano. El programa gira alrededor de un espacio central de circulación que conecta las diferentes plantas y esta iluminado cenitalmente.

Luego de las fotografías podrán encontrar la memoria oficial enviada por el estudio. 

Architect:  Yi Architects
Location: Stuttgart, Alemania
Inaugurado: 21, Octubre, 2011
Area: 3 201 m²
Dimensiones del cubo: 44m x 44m x 40m 
Número de pisos: 2 pisos (subsuelo), 9 pisos superiores + terraza
Costo Total: € 79.0 millones

Memoria Oficial:

Concepto

La ubicación elegida para la obra fue el centro de la zona delimitada para el nuevo plan maestro de desarrollo del barrio europeo. Esta zona de la ciudad se extiende desde la estación principal en el sur hasta el norte de Heilbronnerstrasse en la frontera.
La Biblioteca Municipal de Stuttgart, debido a su ubicación, tamaño y diseño prevee representar el futuro centro de la ciudad que va a surgir en esa zona.
El efecto que genera la estructura gris del edificio, resultado de la combinación de hormigón y ladrillo de vidrio esmerilado, sumado a la geometricidad del cubo de 45 metros, hacen que la obra obtenga presencia y protagonismo iconico en el lugar.

El volumen del edificio consiste en, corteza y núcleo. La circulación está contenida dentro del hueco.

Si bien la estructura externa, de forma geométrica y entrada centrada se inspiró en el “Cenotafio de Newton” por Etienne Boullée, el “corazón” de la biblioteca reinterpreta el antiguo Panteón Romano. El principal espacio interior posee una segunda fachada y esta iluminado cenitalmente. Un espacio para retroceder y reflexionar.

La circulación en espiral y las escaleras interiores en los niveles de lectura han sido diseñados como paseos.
La luz inunda la sala a través del techo de vidrio. En el interior, el techo de cristal se cierra con un falso techo de malla traslúcida que permite el paso de luz pero no de imagen con el objetivo de que la sala se preserve simple y pura.

La tercer sala se encuentra por debajo del espacio central, el “corazón” del edificio. El “Foro”, que originalmente fue escalonada hacia el centro, es ahora una sala de eventos, debido en parte a una línea de luz del ferrocarril que cruza a través de las plantas en subsuelo -1 y -2.

El resultado de la obra es un cuarto plano, cuadrado, que completa el tema “morfosis de la habitación cuadrada.”
Toda la estructura se libera de las limitaciones de la sala plana, cuadrada a través del cubo perfecto en la que se que se disuelven los distintos niveles hacia la parte superior.

Ficha arquitecto: 

Eun Young Yi nació en 1956 en Daejeon, Corea.

Posgrado de la Universidad de Hanyang, en Seúl, Corea, y de Posgrado RWTH de Aquisgrán, Alemania.

Trabajó para O. M. Unger y J. Schürmann en Colonia.

Después de recibir la licencia de arquitectos de Alemania, con domicilio social en ColoniaArquitectos Yi.

Enseñó en la RWTH de Aquisgrán, en Alemania y desde 2000 hasta 2010 fue profesor enla Universidad de Hanyang. Su proyecto más famoso, la nueva biblioteca pública en Stuttgart, que ha ganado a través de un concurso en Europa. Ganó un concurso de arquitectura internacional e innumerables premios.

Su búsqueda ha sido tratar de combinar el lenguaje de la arquitectura clásica junto a la arquitectura moderna, llevando a cabo para buscar los valores esenciales.

Los principales proyectos son la Biblioteca Pública de Stuttgart (Europa los primerospremios de concurso abierto, de 1999 / Construcción, 2011), el nuevo Parlamento de Baja Sajonia en Hannover (Europa los primeros premios de concurso abierto, de 2010),Aqua-foro en el campus de Ansan de la Universidad Hanyang (2002), Galería Sodam Heyriy la Biblioteca de Nanjing (Internacional invitó, participación en el concurso, 1999).

Pocos spots más universales que Times Square y sus toneladas de buenos deseos cada Año Nuevo. Pocos logos más reconocibles y efectivos que el I love NY. Pocos arquitectos contemporáneos capaces de moverse como pez en el agua en los viscosos mares del marketing disciplinar.

Avatares del pop, hábilmente dosificados, son recurso y testigo del glamoroso desembarco de este proyecto de BIG para la GRAN Manzana que ubica al polémico arquitecto en el centro de la escena.

Oops, he did it again!

Cada febrero desde hace cuatro años, Times Square apuesta al amor. Para San Valentín y como parte de su propuesta para sembrar el sector con obras de arte urbano, se convoca a arquitectos y diseñadores a construir una escultura- corazón que se instala durante todo el mes de febrero. Este año es el turno del estudio de Bjarke Ingels, que desde hace poco más de diez años avanza para posicionarse entre los personajes más famosos del medio. Sí, famoso. Famoso y controvertido.

Un bosque de varas de acrílico anida un corazón. Latente, su función es puro potencial. El cristalino caparazón refleja el vértigo del contexto, sintetizando la intermitencia de neones que palpitan la frenética actividad de pantallas publicitarias, emblema de un sitio definido por la vibración de situaciones que lo habitan más que por su configuración como plaza. El movimiento, el aire o el ruido apenas despiertan al órgano aletargado. Touch Me, reza un pulsador. Al tocarlo el corazón revive, late. A más manos entrelazadas, palpita, arde. También dona. Tecnología LED mediante, resume la materia prima que define este ámbito-ícono: gente y luces.

El proyecto ES New York.

Cumple con la misión del comitente de potenciar la calidad peatonal del sector en sutiles acciones de acupuntura que subrayen la identidad del área. Habla de la capacidad del arquitecto de diagnosticar fenómenos urbanos y concebir proyectos multidisciplinares que, a distintas escalas, eduquen en la acción y la diversión, incluso en gestas más relevantes.

(No hay caso: miramos a BIG de soslayo)

Si sus propuestas suelen ser discutidas por lo exageradas, el carácter eventual de este proyecto limita los efectos colaterales. ¿Ocasión de preguntarnos por su lógica comercial? Tal vez sea su reivindicada glocalidad; tal vez, el desafiante espíritu danés que ya impulsó a arquitectos como Utzon o Jacobsen a convertirse, desde la raigambre bien entendida, en Marca Registrada.

Lo que está claro, es que sabe cómo hacerlo. 

Encontrá un video sobre el proyecto aquí

Fotografías / Ho Kyung Lee - David Sundberg (Esto)

Recomendamos el libro de la doctora y arquitecta Margarita Gutman, Buenos Aires. El poder de la anticipación.

Una mirada al pasado, a los tiempos del Centenario, muestra como los habitantes de Buenos Aires imaginaban el futuro de su ciudad a través de una amplia serie de maravillosos dibujos que expresaban sus planes y deseos.

El libro contiene 185 imágenes visuales seleccionadas, en su mayor parte, de 8.367 revistas locales y extranjeras, que circulaban en Buenos Aires entre 1900 y 1920. Los dibujos reflejan los ideales y las expectativas de un grupo de habitantes que auguraban un prometedor futuro urbano.  

Para Manuel Castells, catedrático de Sociología y director del Internet Interdisciplinary Institute de la Universitat Oberta de Catalunya: “Este libro reúne un material documental y visual importante, que ha sido analizado rigurosamente y ha sido elaborado en términos teóricos y analíticos. Se trata de un libro muy original, sobre un tema insólito y que permite entender la relación entre el discurso sobre la ciudad y la construcción de la ciudad en una perspectiva histórica. Estoy convencido de que este libro será una publicación influyente en los medios de urbanismo y arquitectura, tanto en Argentina como en el ámbito internacional”.

El ganador ha sido el estudio de arquitectura HEIN-TROY Architekten, conformado por los arquitectos Matthias Hein y Juri Troy.

El diseño de la casa responde perfectamente a las difíciles condiciones del terreno: estrecho y alargado, con pendiente muy pronunciada y propone una avanzada propuesta sustentable en relación al aprovechamiento de luz solar. El área total de aventanamientos es igual al 42% del area total de la casa, lo cual indica que muy poca luz artificial es utilizada durante el día.

Sunlight house promueve el mínimo uso de energía en el ámbito domestico sin tener que sacrificar el bienestar y el confort de la vida cotidiana. Colectores solares para el uso de agua caliente, paneles foto-voltaicos, energía solar para el uso de instalaciones eléctricas, y artefactos sustentables que favorecen el ahorro de energía, hacen que la casa funcione 100% bajo energía renovable.

Ubicación: Pressbaum, Wien, Austria

Existen muchas teorías y prácticas formales sobre la planificación urbana contemporanea. Sin embargo surgen cada vez más ideas y propuestas “informales“ constructivas realizadas por individuos o por pequeños grupos donde se puede observar un nuevo entusiasmo sobre como reflexionar la calidad ambiental de las ciudades, convencidos de ser capaces de intevenir en ellas y contribuir a su transformación. Muchos proyectos se realizan a pequeña escala donde el barrio y la dinámica red social vuelven a cobrar protagonismo. Algunas propuestas pueden ser temporales, mientras otros logran implementarse definitivamente.

En un contexto de creciente desplazamiento de la población mundial hacia las ciudades y sus periferias, los cambios climáticos, la crisis de energía y recursos tanto como la crisis financiera, se plantean desafíos significativos al modo de la vida actual.

¿Cuáles son las posibilidades y respuestas?

El aumento de la población urbana no solo implica acoger nuevas personas sino también resolver la integración social de distintas culturas en un mismo sistema urbano.

Cuando se disolvió la Union Soviética a principios de los años noventa, Cuba se vió enfrentado ante una falta de suministro de fertilizantes y semillas para afrontar su demanda para la producción agrícola, lo que llevó a que se inventara el modelo de la agricultura urbana apoyado por el estado, método de producción utilizado en la actualidad como la gran cantidad de alimentos cosechados de una manera totalmente biológica sin pestizidas o fertilizantes químicos.

Han existido varias tendencias de manifestación “verde“ en las ciudades, desde protestas políticas sutiles como el guerrilla gardening, fenomeno que surgió en los años setenta en New York o en Alemania, muchas veces inspirados a través del arte. Lo verde esta de moda, pero más que eso se manifiesta como una nueva (vieja) necesidad que actualmente parece ser el nuevo boom en las ciudades alrededor del mundo.

En Alemania la presencia de jardines urbanos tiene una larga historia. Durante el siglo XIX el estado cedía terrenos a bajo costo a personas carenciadas para que puedan cultivar un mínimo de alimentos. A raíz de esa tendencia, se consolidó un tipo de jardín urbano que existe hasta la actualidad, los denominados “Schrebergärten“, pequeños oasis recreativos en parcelas rentadas, para realizar trabajos de jardinería o huerta en medio de la ciudad. 

Do it yourself!

La Socióloga alemana Christa Müller en conjunto con varios autores exponen sus investigaciones sobre el fenómeno de la agricultura urbana en la reciente publicación del libro “Urban Gardening, el retorno de los jardines a la ciudad“.

Investigan este nuevo boom y resaltan la tendencia de un deseo hacía la biodiversidad local, volver a descubrir el valor de compartir experiencias comunitarias y un renacimiento de una cultura del DIY (Do it yourself).

Durante su exponencia en la abertura de la muestra “Carrot City, la ciudad productiva“ en Munich, resalta dos nuevas dimensiones importantes como la  jardinería urbana contemporánea y la cultura del DIY.

¡Que la ciudad sea verde!: Back to the Roots

Entre sensaciones de volver a los orígenes y el deseo por tener un pequeño fragmento de naturaleza en medio de ciudades superpobladas y saturadas de tránsito, resurgen distintas propuestas y tendencias como la agricultura urbana, los jardines comunitarios, el querrilla gardening o los vertical farming, edifcios enteros destinados a una especie de agricultura vertical, siendo todos ellos fenómenos que se pueden observar en ciudades alrededor del mundo.

Mientras algunos se enfocan principalmente en la subsistencia y otros en protestas políticas, existen ejemplos que tratan de sintetizar los conceptos y servirse de las distintas experiencias en una propuesta integral.

Berlin – Kreuzberg

Tal es el caso del Prinzessinnengärten (Jardín de las Princesas, nombre otorgado por la calle donde se ubica) en el barrio Kreuzberg de Berlín. Se creó en el año 2009 cuando dos amigos entusiastas decidieron alquilar a la ciudad un terreno (abandonado por casi medio siglo) de 6000 m² para realizar su proyecto: un jardín urbano y comunitario.

Inspirados en los jardines urbanos en Cuba, el proyecto se basa en una estrategia que plantea insertarse en un baldío urbano abandonado con mucho potencial en un área de afluencia fuerte de tránsito, con pocos espacios verdes en un barrio conocido por su característica multicultural y conflictos sociales.

Es una propuesta que crea un nuevo lugar urbano en la ciudad y que invita a sus vecinos de distintos orígenes culturales a participar y aprender de como se producen alimentos localmente.

La estrategia es reflexionar sobre la ciudad, crear redes sociales a escala barrial, intercambiar conocimientos, difundirlos y aprender en conjunto a través del proceso de producción.

En este sentido, los fundadores Robert Shaw y Marco Clausen afirman:

“Nosotros nos denominamos diletantes, no sabemos nada, lo que podemos hacer es ofrecer un lugar para que la gente se acerque, intervenga y nos ayude a realizar este proyecto“

Sobre la imagen del jardín no existe un planteo especifico. No existe un masterplan.

“Nosotros queremos dialogar con la ciudad contemporánea y crecer con ella, no tenemos una idea establecida del diseño del jardín, es un crecimiento orgánico que se basa en este intercambio continuo“

Lo mas importante fue el hecho de que los vecinos lo aceptaron de inmediato y que se implementaron a las actividades. Entre estudiantes, profesores agónomos y activistas, se sumaron jardineras apasionadas de diferentes países. Se logra recuperar o redescubrir antiguas recetas o especias creando una gran biodiversidad local. 

Un contenedor marítimo funciona como café-bar. En la cocina se preparan platos con ingredientes provenientes del jardín, concepto que sirve para solventar algunos gastos, para sensibilizar la conciencia sobre calidad y origen de los alimentos y simplemente para disfrutarlos.

¡No-dig method!

De este modo los Prinzessinengärten se entiende como plataforma flexible y dinámica más que una institución rígida y fija. En 880 cajones, 330 bolsas de arroz y cientos de tetrapak se cultivan tomates, perejil, lechuga, papas, menta, chile, etc. oriundos de distintos países del mundo.

Huerta Nómade

La idea de que el jardín sea móvil surgió a raíz de contar con un contrato anual y la incertidumbre de poder renovarlo. En vez de entenderlo como un problema se convierte en esencia. El concepto se mueve, se traslada, viaja y se difunde. Se entiende como modelo para ser repetido y aplicado por quiénes deseen formar parte de este modo de vida.

En el marco de un proyecto bajo el lema “celulas“ la huerta se mudó al interior del prestigioso teatro berlines Hebbel am Ufer para realizar en conjunto con vecinos trabajos de jardinería,  cosecha y cocina.

Además de las actividades prácticas como safaris urbanos y workshops, el grupo realiza charlas informativas, apoya a proyectos en diferentes ciudades y teje una red con iniciativas similares en Europa (UniGrowCity).

Un panorama con futuro

Parece que el renacimiento de los jardines urbanos plantea posibles alternativas para enfrentar diversos problemas de las ciudades de carácter social y de subsistencia.

Más que ser la única verdad se trata de abrir un panorama de reflexión e investigación inclusiva. No se mueve en los opuestos enfrentados sino que busca dialogar y entrelazar, crear redes sociales dinámicas en conjunto.

La idea es simple y efectiva y se encuentran diversas respuestas alrededor del mundo. En muchos lugares los municipios integran la creación de huertas comunitarias en su agenda. De este modo, es importante el aporte que implican este tipo de propuestas a las diferentes disciplinas como la planificación urbana, el desarrollo urbano y la sociología.

http://prinzessinnengarten.net

Fotografía / cortesía de Marco Clausen de Prinzessinnengarten

RG03a es un cubo de Madera diseñado por el arquitecto Rui Grazina, diseñado para cobijar objetos preciados. Cada pieza es única, dado que poseen su numero de producción grabado especialmente en láser.

Rui Grazina tomo como inspiración para crear RG03, las tradicionales cajas de secretos japonesas, las Himitsu-Bako, un clásico objeto del siglo IX proveniente de Hakone, Japon. Originalmente estas cajas eran usadas para guardar de manera segura objetos y documentos. Consiste en una caja decorada tradicionalmente que solo puede ser abierta siguiendo una correcta secuencia de movimientos a través de sus capas.

La pieza original RG03a es un cubo de Madera (74x 74x 74mm) compuesto por cuatro elementos, uno de ellos, situado en el corazón del bloque contiene el precioso objeto guardado.

La información oficial del proyecto, al finalizar las fotografías.

Si les interesa ver más obra del Arquitecto Rui Grazina, hemos publicado con anterioridad La Casa Cambeses. 

“Como arquitecto estos objetos representan pequeñas piezas funcionales de arquitectura”

Rui Grazina

Arquitecto: Rui Grazina

Dimensions: 74x 74x 74mm

Materiales: Wenge and Satinwood

Acabado: Mate

Packaging: Giftbokwith insert

Precio sugerido: 130EU

“Creo que la practica de la arquitectura esta relacionada al diseño de muebles; trabajar en grandes y pequeñas escalas a la vez es  muy importante en sentido que representan distintos enfoques complementarios de un mismo proceso de diseño”

Rui Grazina

PRESS RELEASE, RG03a Special Edition for Elements

Inspired by traditional Japanese secret boxes, the Rui Grazina RG03a jewellery box,

launched as a Special Edition for Elements Contemporary Jewellery

RG03a is a piece designed by Rui Grazina, launched in July 2011, as a special edition for Elements Contemporary Jewellery.

RG03a is a wooden cube designed to conceal a precious object. “As a practising architect, these objects represent functional small-scale pieces of architecture” the designer explains. Each piece is unique being laser engraved with design authorship, production and an individual edition number.

Rui Grazina has drawn inspiration from traditional Japanese secret boxes to launch RG03, a new product collection from the architect and designer for SPSS, Portuguese fabricators of furniture and joinery for architects including Álvaro Siza and Eduardo Souto Moura. The original piece, RG03a, is a wooden box (76x 76x 76mm) of wenge comprising four elements, one of them being at the heart of the block holding the precious object which is formed from satinwood.

In one of the components of the piece, an element executed in 800m/m gold plated 925 silver, identifies this special edition in partnership with Nuno e Marco Santos, for Elements Contemporary Jewellery.

Available exclusively at Elements Contemporary Jewellery, from July 2011.

Ben Van Berkel

Las Galerias Cheoan, son un proyecto presentado por el estudio de arquitectura holandés UNStudio, fundado por los arquitectos Ben Van Berkel y Caroline Bos. 

Situadas en Cheoan a 80km de Seúl, Corea del Sur, la obra replantea el concepto de tienda, definiendolo como un espacio de reunión, un lugar de interés social y cultural.

Programáticamente, la Galería Cheonan incorpora una diversidad de espacios públicos y culturales, incluyendo un centro cultural y un salón VIP. En el sótano, un patio de comidas y un mercado de especias constituyen un destino distínto dentro del edificio, el cual es integrado de forma simultánea con la estrategia global del diseño.

El principal tema arquitectónico de la Galería es el de flujo dinámico. Esto se encuentra tanto en el interior como en el exterior. La arquitectura del edificio de 66,000 m² responde a su posición central al presentar un versátil cambio deliberado en el aspecto. Efectos visuales, iluminación especial y las animaciones garantizan el cambio constante de apariencia en el exterior.

Más adelante podrán encontrar la información oficial enviada desde el estudio. 

“La Galería Cheonan responde a las tendencias comerciales actuales en Asia, dónde las tiendas departamentales también operan como lugares sociales de reunión y semi-culturales. Debido a esto, la calidad de los espacios públicos dentro del edificio fueron tratados como un aspecto integral del diseño.”

Ben van Berkel

Ubicación: Cheonan, Korea
Superficie Obra Contruida: 66,700 m²
Sperficie Terreno: 11,235 m²
Programme: Department store with multifunctional facilities
Año: Marzo 2008 – Diciembre 2010
Estado: Completo
Fotografía: Christian Richters.

Eye Shopping – Re-conquering the public domain within a commercial destination

UNStudio’s Galleria Centercity Department Store in the Korean city of Cheonan reclaims the social and cultural space within the private, commercial large scale department store.
Rather than being the outcome of a prescriptive, standard-critical approach, the design of the Galleria Centercity is based on observations of current behavioural tendencies in large commercial spaces. Particularly in South East Asia, department stores serve a highly social function; people meet, gather, eat, drink and both shop and window shop in these venues. The department store is no longer solely a commercial space, it now offers the architect the opportunity to build upon and expand the social and cultural experience of the visitor. If today we are seeing the museum as a supermarket, then we are also now seeing the department store as a museum.

An expanded interpretation of utility beyond efficiency and profitability is at the heart of the design. In view of this, along with a more varied programme, UNStudio’s design seeks to provide a stimulating experience for the visitor.

On the outside, this is translated into an appearance that is almost impossible to fix. The double layered facades are articulated in a trompe l’oeuil  pattern of vertical mullions. The vertical lines on the façade make the scale of the building unreadable; does it contain three floor levels, or fifteen? On the inside, this play with scale and dimension is continued in a way that is at least as radical as the outside. Upon entering, the department store is revealed as a layered and varied space which encourages investigation and unfolds  as you move through and up the building.

Programmatically, the Galleria Cheonan incorporates a number of cultural and public spaces, including an art and cultural centre and a vip room. In the basement, a food court and specialty supermarket constitute another distinct destination within the building, which is simultaneously integrated with the overall design strategy.

Cheonan –New city development as platform for innovation

Situated some 80km south of Seoul, Cheonan is well connected to the capital by railway and road, with a  new high speed rail link having recently been completed. The area around the new high speed terminal is under development and – prominently visible from the main road – the Galleria Centercity marks the entrance to this new development area.

Dynamic Flow and optical illusion on a grand scale

The main architectural theme for the Galleria Cheonan is that of dynamic flow. This is found both inside and outside. The architecture of the 66,000 m ² building responds to its central position by presenting a deliberately changeable aspect all-around. Moiré effects, special lighting and animations ensure that the outside changes appearance constantly.
The double layered facade encloses the building, with a number of strategic openings incorporated into the inner facade layer.These openings provide daylight to the interior. At the same time, the lamellas of the outer façade prevent direct sunlight from entering the building, ensuring a cooler environment, while the use of white finishes throughout the interior minimises the need for artificial lighting.

The interior derives its character from the accumulation of rounded plateaus on long columns. The repetition of curves, enhanced by coiled strip lighting in the ceilings of the platforms, gives the interior its distinctive character. Four stacked programme clusters, each encompassing three storeys and containing public plateaus, are linked to the central void. This organisation propels a fluent upstream flow of people through the building, from the ground floor atrium to the roof terrace. As the plateaus are positioned in a rotational manner in space, they enable the central space to encompass way finding, vertical circulation, orientation and act as main attractor of the department store. The spatial and visual connections within the space are designed to generate a lively and stimulating environment, in which the user is central.

Media facade – The largest  illuminated surface of its kind in the world

The strategy for the building enclosure consists of creating an optical illusion. During the day the building has a monochrome reflective appearance, whilst at night soft colours are used to generate waves of coloured light across the large scale illuminated surface. The lighting design was developed in parallel with the architecture and capitalises on the double layered facade structure. Computer generated animations specially designed by UNStudio are incorporated into the lighting design and refer to themes related to the department store, such as fashion, events, art and public life.

Place branding – not name branding

Rather than creating a platform for a multiple billboard effect made up of individual brand identities, the thematic animated content of the fully integrated media façade facilitates a more holistic and site-oriented  urban approach to branding.

El arquitecto Rui Grazina comparte esta obra situada en una zona verde protegida en Cambeses, Portugal.

La vivienda está implantada en un terreno de 3.300 metros cuadrados de superficie total. La casa de 300 metros cuadrados se adapta a las características del suelo incluyendo su pendiente como material proyectual.

Su programa esta ubicado estratégicamente en función al terreno. Las habitaciones dan al sur, debido a la calidad de la exposición al sol, a la intimidad y la relación con la topografía existente. Este lado del edificio se encuentra a nivel del suelo, lo que permite una conexión y continuidad entre interior y exterior.

La entrada de acceso se encuentra enmarcada por dos grandes muros de hormigón, que permiten la transición entre la naturaleza y el interior de la casa.

Los interiores se construyen principalmente con el uso de sistemas de revestimiento en seco y maderas sólidas y/o maderas lacadas, para pisos y muebles empotrados.

Después de las fotografías podrán encontrar la información oficial enviada por el estudio.

Arquitectos : Rui Grazina

Año: 2008/2011

Ubicación: Cambeses, Barcelos, Portugal

Área: 290 m2 construidos.

Fotografía: Nelson Garrido

Constructora: Engiaço Construções Técnicas, Braga

Private House in Barcelos, Portugal

Project by Rui Grazina for a private house in Cambeses, Barcelos, Portugal.

The plot has an area of 3300 sqm, part of which located in a green protection area. The house has 300 sqm of total area, and a gross building area of 290 sqm.
The house footprint is designed based on the articulation between the existing alignments and the new proposed access road, which enables both car and foot access. Given the context, our objective was to turn the living spaces to east, considering this is where the most interesting visual points are, and to make rooms face south due to the quality of sun exposure, privacy and relationship with the existing topography.

On this side of the building the existing ground level is higher, enabling a connection and continuity between interior and exterior.
On the overall, we can say that the social areas are at ground level, and the private areas on the upper level.

Construction started November 2008, and was finished in 2011. The project was executed by Braga based company Engiaço, that specializes on light steel frame system construction.

Due to the steep topography of the site, the house has two storeys on the eastern side, and just one on the western side. This means that on the western side there is a relevant part of the structure buried. This is achieved structurally by the use of a load bearing concrete frame, enabling the creation of the undergroud parking space. The access entry slot is also framed by two concrete walls, that enable the transition between the entry level on the site and the actual first floor level.

On top of this concrete structure sits a light steel frame system, completed with an exterior insulation finishing system. The interiors are mainly built with the use of dry-lining systems, and solid woods and/or lacquered woods, for flooring and fitted furniture.

Rui Grazina’s CV

Rui Grazina designs his architecture, products and furniture from his studio in Porto.

Since 2002 he has produced a range of furniture and products exhibited at, namely, 100% Design, in London, FAD, in Barcelona, and Remade in Portugal, in Lisbon.
Jewellery box RG02 won the design competition for the Berardo Modern Art Museum Design Shop, in Lisbon.
In 2010 Rui presented his work at Rio de Janeiro Design Week, and launched his new product RG05 in December. He exhibited at Talents Ambiente, Frankfurt, in February 2011.
His pieces have been sold worldwide, and are represented in shops in several contries, namely Portugal, Germany, England and Brasil.
Prior to 2002 Rui worked as an architect on a wide range of projects in London and Porto.  He completed his education at the Faculty of Architecture, University of Porto.
He was born in Maputo, Mozambique.

HWKN es un estudio fundado por los arquitectos Matthias Hollwich y Marc Kushner.

El proyecto está situado en el Área 2 del High Line Park, (Ver más PLOT Nº01) dentro de una manzana que incluye como atracción una pista de patinaje, que fue diseñada por el estudio HWKN en colaboración con Diller Scofidio + Renfro (DS+R).

Los cubos son locales comerciales, proyectados para la marca UNIQLO. En esta obra, los arquitectos reinterpretan la forma clásica de comercio, una vez que los cubos se encuentran finalmente ubicados, una sección de la forma se desliza a modo de bóveda, invitando a la gente a probar y comprar. Por la noche todos los cubos brillan en la oscuridad y marcan su presencia.

La memoria oficial del estudio se encuentra al final de la publicación.